LUIS AGUDO

Cuéntanos sobre tus inicios, que por lo que sabemos no fueron en un principio en el mundo del arte, al menos académicamente hablando.

Desde pequeño siempre me ha gustado el tema de la Semana Santa. Al principio estudié una diplomatura en Económicas por temas familiares, ya que mi familia quería "un hijo que fuera alguien en la vida", en palabras textuales de mi padre. Y aunque terminé Económicas y me diplomé, a mí aquello no me gustaba, porque desde niño tengo esa sensibilidad propia de los artistas, que entre otras cosas, nos fijamos en detalles que otras personas no se fijan. Ya como estudiante universitario empecé a hacer trabajos de pintura en Córdoba, sobre todo costales cuando surgió la moda del costal pintado con los titulares o los emblemas de la cofradía en cuestión. Con el dinero que ganaba me fui pagando Económicas, carrera que estudié en una universidad privada y que acabo por la memoria de mi padre, que falleció antes de acabarla. Se lo prometí y la terminé por él. Pero nada más licenciarme, decido hacer lo que a mí siempre me ha gustado, que es la imaginería. Entonces, después de no ser admitido en todos los talleres que visité, decido entrar en la Escuela de Arte de Córdoba y conseguir el título de Técnico Superior de Artes Aplicadas a la Escultura.

Una vez que curso dicha formación, hago mi proyecto final con un proyecto que ha estado en varias exposiciones y se titula "Padre, perdónalos, porque no saben lo que hacen", que además fue matrícula y tuvo bastante repercusión; de hecho, se acaba de desarrollar para Filipinas en su versión de imaginería. Una vez realizado ese proyecto, me abren las puertas de un taller de imaginería en Sevilla, donde estoy un año aprendiendo el oficio y sus técnicas, y entrando en contacto con este mundillo, disfrutando verdaderamente muchísimo con todo. Al conseguir mi primer encargo, una custodia con ángeles para Córdoba, debo volver a mi ciudad natal, donde consigo entrar en otro taller de imaginería para colaborar con un trabajo de su propietario, algo que también me sirvió mucho de cara a mi formación. Además, en Córdoba conocí una corriente artística muy opuesta a la sevillana. En Sevilla aprendí una vertiente más clásica, barroca e histórica, y en Córdoba las nuevas tendencias que surgieron a finales de los 90 con Bernal y Romero Zafra, quienes crearon una escuela a nivel de modelado y, sobre todo, de policromía.

Esos talleres de imaginería que te abrieron las puertas fueron los de Salvador Madroñal en Sevilla y José Antonio Cabello en Córdoba. ¿Qué es lo que más te marcó de cada uno de ellos?

Madroñal era muy perfeccionista en los acabados. Exigía muchísimo a la hora de terminar una pieza: en cada detalle, en el acabado de la lija, en el acabado del pulido... que se notara una mota de polvo era para él un error. También me hizo mucho hincapié en que nunca me conformara con lo hecho, porque siempre podría hacerlo mejor. Más de un trabajo de volumen con el que yo quedaba muy contento, luego él lo machacaba y me decía que lo repitiera, algo que las primeras veces me cabreaba mucho, pero con el tiempo entendí que llevaba razón, que nunca hay que conformarse con lo que se puede mejorar. Y luego otra cosa que aprendí de Madroñal fue el respeto enorme por este oficio, cosa que a él se lo enseñó Álvarez Duarte, quien a su vez lo aprendió de Buiza. Este oficio y los secretos que conlleva es algo que me ha costado mucho conseguir, porque, como te dije, antes de que Madroñal me admitiera en su taller, fui a otros veinte y todos ellos me cerraron las puertas. Además, tengo unos recuerdos muy bonitos y mucho cariño a esa etapa en Sevilla.

Respecto a Cabello, con él aprendí una faceta más técnica, porque cuando entré en su taller estaba metido en un proyecto muy ambicioso con el que tocaba todos los palos: estofados, talla, barro, policromía... Si en Sevilla todo fue más específico y concreto, el tiempo que estuve con Cabello trabajé muchas disciplinas, cada una con sus técnicas. También me llevé una destacable amistad con José Antonio, quien además trabajó para una cofradía mía.

Aunque dices haber aprendido de dos estilos diferentes, el sevillano y el cordobés, vemos que en tu corta trayectoria de momento te has decantado por este último.

Quizás eso se vea mejor desde fuera. A mí personalmente me encanta la pintura. El pintar ayuda mucho a la hora de interpretar volúmenes. De hecho, cuando realizaba mi última imagen para Espiel, quienes venían con frecuencia a verla al taller se sorprendían del cambio del estuco a la policromía, pues el color en este tipo de obras es fundamental. Algunos también me preguntaban si podía trabajar como la mayoría de los imagineros barrocos, terminando la policromía de la imagen otra persona, y yo contestaba que no, porque cuando a mí me encargan algo, lo consigo comenzando y terminando la obra en mi cabeza, desde el barro hasta la policromía final.

Entonces, en el color, que como digo para mí es muy importante, sí que me decanto por la llamada "nueva escuela cordobesa". Sin embargo, esa escuela trabaja con policromías que se trabajan mucho más sobre la base para evitar que una encarnadura no se escore, y a mí en cambio me encanta trabajar la pintura a nivel de volumen y matices: que un labio, por ejemplo, lleve zonas de luces y sombras, trabajar con distintos tonos sobre la misma base... Entonces, en el color quizás sí me sienta más cómodo por la vía cordobesa en cuanto a resultados, pero en cuanto a volúmenes, cuando estoy trabajando el modelo, tiendo mucho más a referentes barrocos del canon clásico.