Fuego Blanco: La Colección Moderna del Kunstmuseum Basel
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Edificio Sabatini (Santa Isabel, 52) De 10:00 a 21:00 horas (martes cerrado)

El Kunstmuseum Basel está considerado el primer museo público municipal de la historia del arte. Los dos ejes fundamentales de su colección están constituidos por obras que datan de los siglos XV y XVI, por una parte, y el arte de los siglos XIX al XXI, por otra. Con ocasión de las obras de ampliación del museo suizo, una selección de 104 obras maestras del siglo XX, pertenecientes a su colección permanente, se presentan ahora en el Museo Reina Sofía. La exposición propone no solo un recorrido por obras capitales del arte contemporáneo sino también un análisis de la historia y criterios que han forjado una colección que hoy se encuentra entre los más destacados fondos públicos de arte moderno y contemporáneo del mundo.

Los fondos de arte del siglo XX del Kunstmuseum Basel cuentan con obras de primer orden relativas, principalmente, a dos períodos: las vanguardias históricas europeas de las primeras décadas del siglo y el arte procedente de Estados Unidos desarrollado durante la segunda mitad de la centuria, centrado de manera particular en el desarrollo de las prácticas artísticas posteriores al expresionismo abstracto.

La colección del Kunstmuseum Basel tiene su origen en las dinámicas sociales e institucionales de la ciudad de Basilea: por un lado en la iniciativa pública, a través de los organismos municipales que desde el siglo XVII iniciaron una colección ligada al presente; por otro, en la participación privada, mediante la contribución de destacados coleccionistas provenientes de la burguesía suiza que, a lo largo del tiempo, han cedido o depositado sus fondos personales en el museo.

El conjunto de obras cubistas que forman la donación de Raoul La Roche incluye obras firmadas por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris, que reflejan la evolución temprana del movimiento cuyas especulaciones visuales alterarían para siempre la mirada moderna. Pero esta sección encuentra su especificidad en la inclusión de tendencias que vinieron a matizar los postulados cubistas, desde la estética maquinista y la nueva rotundidad formal de Fernand Léger -obra Dos Figuras (Desnudos sobre Fondo Rojo) de 1923 en la imagen superior- a las naturalezas muertas de los suizos Amédée Ozenfant y Le Corbusier, donde se muestra una nueva estética purista, destilada y cargada de una intencional frialdad arquitectónica.

La celebración por parte del régimen nazi de la exposición Arte degenerado en Múnich en 1939 ridiculizaba a autores internacionales de la vanguardia, en especial a los artistas del norte de Europa. Esto ocurría mientras, desde Suiza, el Kunstmuseum Basel, siendo director Georg Schmidt, apostaba con firmeza por estos nuevos lenguajes y veía en la venta pública de aquella exposición la oportunidad de incrementar sus fondos mediante la adquisición de algunas de las obras denostadas por el gobierno alemán.

A partir de la donación que Marguerite Arp-Hagenbach realizó en memoria de su marido, el artista Hans Arp, las tendencias abstractas de la vanguardia impregnan de manera decisiva la colección del museo. La obra de Paul Klee, nacido en Suiza, marca otro de los puntos fuertes de la pinacoteca a partir de la donación de Richard Doetsch-Benziger. La colección también incluye el depósito de una cuarta parte de los fondos originales de la Fundación Alberto Giacometti, con sede en Zúrich, que recoge gran parte del legado del artista suizo.

Por último, como hemos apuntado antes junto a la representación de las vanguardias europeas, la segunda gran sección de la colección del Kunstmuseum Basel la forman obras de arte realizadas por artistas estadounidenses durante la segunda mitad del siglo XX: Mark Rothko, Franz Kline, Barnett Newman, Agnes Martin, Robert Ryman, Andy Warhol, Donald Judd, Carl Andre, Bruce Nauman, On Kawara o Walter De Maria.

Desde su origen, la colección permanente del Kunstmuseum Basel ha querido permanecer ligada al presente. En la actualidad, se recogen diversas obras de numerosos creadores activos hoy en la escena artística internacional como Gerhard Richter, Pierre Huyghe, Steve McQueen o Fischli & Weiss, que establecen nuevos diálogos con la colección histórica y actualizan su discurso.

Coleccionismo y Modernidad. Dos Casos de Estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Edificio Sabatini (Santa Isabel, 52) De 10:00 a 21:00 horas (martes cerrado)

Esta exposición reúne dos destacadas colecciones de arte de la primera modernidad, hoy integradas en los fondos del Kunstmuseum Basel (Basilea, Suiza), la Colección Im Obersteg y la Colección Rudolf Staechelin, y ofrece la oportunidad de disfrutar de obras de los artistas más reconocidos de ese periodo (en su amplia mayoría nunca antes presentadas en España), además de profundizar sobre el fenómeno del coleccionismo y destacar su centralidad en el entramado del arte moderno.

Suiza, lugar donde nacieron las colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin, formó parte del grupo de países cuyas élites industriales lideraron el panorama del coleccionismo moderno: Estados Unidos, Reino Unido, Francia y Alemania. Sin embargo, el país helvético mostró peculiaridades distintivas: en los albores del siglo XX era relativamente joven y su realidad nacional -fragmentada lingüística y geográficamente- dificulta la forja de una cultura única y diferenciada en un momento de auge de los nacionalismos en el resto de Europa. Aunque situada en el ámbito de influencia política y cultural de Francia, Alemania e Italia, hasta entrado el siglo XX estuvo bajo el eminente influjo político, económico y cultural alemán. Por ello, el cambio hacia "lo moderno", marcado por una preponderancia de lo francés, tuvo implicaciones que trascendieron la esfera de lo artístico. Los debates que se suscitaron alrededor de esta cuestión así lo confirman: de un lado, el discurso ultranacionalista que identificaba cultura con territorio y, del otro, el que apoyaba un nuevo internacionalismo artístico. En definitiva, esta nueva orientación cultural hacia la modernidad comportaba un cambio generacional y político que marcaría de manera profunda la historia cultural suiza.

A pesar de esa identificación de "lo moderno" con la cultura francesa, no sería la zona del país de influencia gala la que presenciaría en primera instancia este cambio. Fueron los cantones germanoparlantes -en concreto, las ciudades de Basilea y Zúrich- el escenario en el que surgieron los primeros coleccionistas de impresionismo y posimpresionismo y donde se presentaron las primeras exposiciones de arte contemporáneo procedente de Francia. En el tiempo transcurrido entre la primera de estas muestras, celebrada en Zúrich en el año 1897, y el inicio de la Primera Guerra Mundial, se produjo el llamado "cambio de gusto", un proceso por el que se hizo crecientemente notoria una manifiesta preferencia por "lo nuevo", escenificada en dos exposiciones organizadas de manera simultánea y dedicadas, respectivamente, al arte francés y al arte alemán contemporáneos; la primera recibió 20.000 visitantes; la segunda, unos 10.000.

La influencia de Alemania sobre Suiza a lo largo de estos primeros años del siglo XX afectó a diversos ámbitos, incluido el militar, y perduró en el tiempo, como muestra la difusión del temor a una invasión germana durante la Segunda Guerra Mundial. De ese modo, la reorientación de los gustos culturales suizos se convirtió en el síntoma de un deseo de independencia, latente en algunas de las personalidades más influyentes del país, entre ellos destacados coleccionistas. Esta búsqueda de una identidad cultural propia se materializó también en el interés de los coleccionistas suizos por los artistas locales. Así, una de las pautas comunes de estas colecciones es la de marcar su inicio mediante adquisiciones de obras de artistas autóctonos, para abrirse posteriormente a los creadores foráneos, fundamentalmente franceses. Los casos de Ferdinand Hodler y Cuno Amiet, artistas suizos, son paradigmáticos en la medida en que, habiendo desarrollado parte de su carrera en París, se convirtieron en autores de culto tanto en Suiza como internacionalmente.

De intereses múltiples e internacionalistas, Karl Im Obersteg y Rudolf Staechelin compartieron amistad y formaron parte del Comité de las Artes de Basilea. La visión aplicada a sus colecciones fue clara y su trayectoria rápida, dirigida por ellos mismos de una manera intuitiva y segura. Aplicaron criterios personales que, en ambos casos, el tiempo se ha encargado de ratificar. Mientras las primeras adquisiciones se centraron en artistas modernos suizos, en adelante entraron a formar parte de sus inventarios obras de autores mundialmente reconocidos como, por citar algunos ejemplos, Picasso, Van Gogh, Chagall -obra Judío en Blanco y Negro de 1914 en la imagen superior-, Modigliani, Renoir o Pissarro.

Las colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin han enriquecido el patrimonio artístico público de Basilea desde su depósito en el Kunstmuseum Basel, donde complementan el rico acervo de la institución y se encuentran al alcance de los ciudadanos.

10 Picassos del Kunstmuseum Basel
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Edificio Villanueva (Paseo del Prado, s/n) De 10:00 a 20:00 horas (domingos y festivos de 10:00 a 19:00 horas)

Los diez picassos que integran la exposición son sin duda las obras más destacadas del artista malagueño en las colecciones del Kunstmuseum de Basilea y constituyen diez ejemplos excepcionales de la evolución de su producción, desde el verano del año 1906 -su período "ibérico", previo a las investigaciones del pintor que derivarían en el cubismo- hasta las obras libérrimas y un tanto melancólicas del Picasso final, del año 1967, conformando así una suerte de pequeña exposición retrospectiva:

Los Dos Hermanos (1906)
En este lienzo de su etapa rosa, Picasso muestra a un muchacho adolescente que lleva a cuestas a su hermano pequeño (imagen superior). Posiblemente refleja una imagen que el artista pudo ver durante sus vacaciones estivales de 1906 en el Pirineo de Lérida.

Hombre, Mujer y Niño (1906)
Un hombre de pie inclina su cabeza para contemplar absorto a una mujer que sostiene en brazos a un niño que mira con curiosidad al espectador; ella presenta un rostro inexpresivo, como ausente. Los rasgos del hombre recuerdan a los del propio pintor. Realizadas únicamente a base de blancos, rosas, grises y negros, las figuras remiten a las formas estilizadas y antinaturales del arte ibérico, que simplificaba los volúmenes y los rostros, hasta hacerlos aparecer como inexpresivas máscaras.

Panes y Frutero con Fruta sobre una Mesa (1908-1909)
Este bodegón es el resultado de las modificaciones que Picasso introdujo en una composición con personajes dispuestos en torno a una mesa plegable, el único elemento que se mantiene. Todavía son visibles las piernas del personaje -quizás Cézanne- situado en el lado derecho, cuyos brazos se han convertido en barras de pan. Del mismo modo, el frutero repleto de frutas de la izquierda es una sugestiva transformación de la figura de Fernande, la amante de Picasso en esos momentos.

El Aficionado (1912)
Tras asistir a una corrida en Nimes, Picasso retrata a un aficionado a los toros, con bigote y sombrero cordobés. Las letras pintadas proporcionan información sobre las aficiones del personaje. Fue este un recurso muy utilizado por Picasso y Braque en sus composiciones cubistas a partir de 1910. Aquí se percibe ya una evolución hacia formas simplificadas y poco facetadas, que empiezan a alejarse del cubismo analítico.

Mujer con Guitarra (1911-1914)
Picasso construye una figura femenina a partir de una trama de líneas negras sobre fondo blanquecino. También usa diferentes planos de color -rosa, negro, azul y marrón- para destacar algunas zonas. Pertenece al "cubismo sintético" cultivado entre 1912 y 1914.

Arlequín Sentado o El Pintor Jacinto Salvadó (1923)
Picasso retrata a su amigo Jacinto Salvadó vestido como Arlequín, con un traje que le había regalado Jean Cocteau. Es una obra del periodo neoclásico de Picasso (1917-1924), en el que vuelve a la representación figurativa tradicional.

Mujer con Sombrero sentada en un Sillón (1941-1942)
Dora Maar, entonces compañera sentimental de Picasso, aparece sentada de frente en un sillón metálico, con aire distinguido (imagen inferior). Picasso retrató a todas las mujeres de su vida sentadas en un sillón; es un tema que trató en casi 300 ocasiones.

Muchachas a la Orilla del Sena, según Courbet (1950)
Con esta obra Picasso rinde homenaje a Gustave Courbet al reinterpretar una de las obras más conocidas del pintor realista francés: Muchachas a la Orilla del Sena (Verano), de 1857. Mantiene la gran carga erótica del lienzo de Courbet, que sugería una relación amorosa entre las dos jóvenes, aunque introduce algunos matices que alteran levemente esa referencia a un amor prohibido. Fundamentalmente en la figura de la joven en segundo plano, que parece asumir una actitud vigilante y más activa.

Venus y Amor (1967)
Un niño desnudo y sonriente se dirige hacia su madre, que se prepara para abrazarle. Se trata de la diosa del amor y de su hijo Cupido, un tema frecuente en la producción tardía de Picasso. Posiblemente inspirada en la Venus ante el Espejo de Tiziano, es una de las numerosas reinterpretaciones que Picasso hace, a partir de 1955, de las obras maestras de los grandes pintores del pasado: Cranach, Velázquez, Delacroix, Manet...

La Pareja (1967)
Las actitudes de los protagonistas -un mosquetero y una mujer con los pechos al descubierto y una copa en la mano- muestran la tensión sexual que subyace en el ambiente. La obra se ha interpretado como un posible reflejo de la situación personal de Picasso, que tenía ya 86 años en el momento de pintar este lienzo. Es una de las cuatro obras que el artista donó en 1967 a la ciudad de Basilea, conmovido por la movilización ciudadana para adquirir otras dos pinturas suyas depositadas en el Kunstmuseum Basel. 

Tanto el Museo del Prado como el Museo Reina Sofía ponen a disposición del visitante una modalidad de entrada conjunta al precio de 18 euros, que puede adquirirse en taquillas y en www.entradasprado.com. Esta entrada, válida desde el 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015, permite visitar las tres exposiciones.