LOS CUADROS MÁS CAROS DE LA HISTORIA
Jesús Abades y Sergio Cabaco
Casi todas las ventas fueron realizadas a compradores privados, en algunos casos anónimos. Observamos una fuerte atracción por el arte de vanguardia, especialmente por el impresionismo, el expresionismo abstracto y las creaciones de Pablo Picasso en cualquiera de sus periodos artísticos, en detrimento de los maestros de la pintura clásica, que salvo Leonardo, Tiziano y Rubens no aparecen representados. |
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Salvator Mundi El que se ha convertido no solo en el cuadro que ha alcanzado el precio más alto -y con diferencia- hasta la fecha, sino en la obra de arte más cara de la historia, no salió realmente a la palestra hasta 2011, cuando su autoría fue adjudicada a Leonardo a raíz de la restauración practicada un año antes, aunque no faltaron expertos que rechazaron la atribución por no reunir las sublimes calidades del artista. De ser cierta, estamos ante uno de los veinte cuadros que el genio pintó a lo largo de su carrera, de los que solo se conservan quince. Su participación en "Leonardo da Vinci: Pintor de la Corte de Milán", una exposición que tuvo lugar entre noviembre de 2011 y febrero de 2012 en la National Gallery de Londres, catapultó a este óleo, pintado sobre nogal, a la fama. La obra, considerada desaparecida por mucho tiempo, e incluso destruida para algunos expertos, muestra a Jesús de medio cuerpo con una mano alzada para impartir la bendición y un orbe en la otra. |
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Nafea Faa Ipoipo El cuadro más caro hasta la fecha de la historia, se ha vendido fuera del circuito de subastas. Se trata de un óleo sobre lienzo titulado Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casas?), perteneciente a la fase tahitiana de Paul Gauguin; de hecho, fue de los primeros que pintó al visitar la isla. En febrero de 2015 se anunció que fue adquirido en venta privada a un coleccionista de Qatar por unos 300 millones de dólares. De las dos mujeres que aparecen en primer plano, sentadas al pie del monte Orohena, la que lleva el pareo con los brillantes colores tradicionales es Tehe'amana, la amante del pintor en Tahití. |
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Interchange Obra emblemática del cotizado autor en la que podemos ver la influencia de varios artistas como Henri Matisse, Giorgio de Chirico, John Graham, Stuart Davis, Arshile Gorky, Pablo Picasso y Joan Miró. Las violentas pinceladas anticipan las próximas tendencias del pintor, con unas pinceladas gruesas, dinámicas y anárquicas en tonos principalmente blancos, que toman distintas direcciones, sin seguir un orden estipulado. |
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Los Jugadores de Cartas Una de las cinco versiones de una de las obras más famosas del pintor francés postimpresionista (1839-1906). La pintura moderna, la que abandonaba definitivamente la pesada tradición academicista, habría surgido de las especulaciones formales de Cézanne, entre 1885 y el año de su fallecimiento, quien intentó conciliar una visión de la naturaleza, proveniente del impresionismo, con una concepción geométrica y abstracta de la forma. Los datos de la visión corregidos con la capacidad abstractizante del concepto. |
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Number 17A Al igual que el Interchange del holandés De Kooning, la obra procedía de la Fundación David Geffen. Estos dos cuadros icónicos del expresionismo abstracto permiten al espectador compartir maravillosos momentos del poder transformativo del arte en la historia de la posguerra del pasado siglo XX, según comentaron los responsables del Instituto de Arte de Chicago, entidad que recibió durante un tiempo la cesión de ambas obras. |
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Mujeres de Argel (Versión "O") La pintura y la escultura -El Hombre que Señala (1947), de Giacometti- más caras jamás subastadas se adjudicaron el 11 de mayo de 2015 en la sala Christie's de Nueva York. Este cuadro de madurez confirmó la burbuja del arte al revalorizarse, después de ser subastada en 1997 por 32 millones de dólares. La obra es la culminación de una serie de 15 cuadros con los que revisó en clave cubista el cuadro homónimo de Delacroix, que le llegó a obsesionar y en el que creía ver a la última de sus mujeres, Jacqueline Roque. También es una especie de respuesta a la muerte de Matisse, su amigo y rival, que sucedió en noviembre de 1954. |
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El sueño Fue adquirido en el año 2013 por el magnate de las finanzas Steven Cohen. Picasso tomó como modelo para su ejecución a Marie-Thérese Walter. Representa a una mujer dormida y semidesnuda en un sillón, con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos. Al igual que Mujeres de Argel, posee una alta carga erótica, tomando en este caso una simbología fálica perceptible hasta en la silueta de la figura femenina. |
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Number 5 En esta obra se aprecia lo más característico del estadounidense, figura primordial del expresionismo abstracto, corriente artística nacida entre los años 40 y 50 del siglo XX. Pollock fue el mayor propagador de una técnica pictórica llamada dripping (goteo), llevada a cabo con una tela de grandes dimensiones sobre el suelo, al modo que los indios del Oeste trabajan sobre la arena, y en la que toda figuración desaparece, convirtiéndose las obras, a través de un ritmo gráfico, violento y vital, en un rico arabesco de entretejidas filigranas. |
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Woman III Otra de las grandes figuras del expresionismo abstracto, Willem de Kooning (1904-1997), artista holandés afincado desde 1926 en Estados Unidos, ofrece con esta obra, perteneciente a una serie iniciada en 1950, uno de sus temas más característicos: figuras femeninas, grotescas, monstruosas, inquietantes, aterradoras a veces, resueltas siempre a base de amplias pinceladas. |
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Adèle Bloch-Bauer Como suele ser habitual en la obra del pintor austríaco, la composición muestra un tratamiento estilizado y naturalista de la figura femenina, cargada de erotismo. En los fondos de oro, desarrolla una decoración con motivos abstractos, que recuerda en ocasiones al collage y cuya impronta remite al arte bizantino. |
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Tres Estudios de Lucian Freud La distorsión de las formas, la convulsión expresiva en el rostro y el esquematismo de todo aquello que no es figura humana caracterizan estos tres cuadros consecutivos, de una dimensión de 198 x 147,5 cm y que han pertenecido a la Galería Galatea de Turín, a la Galería Odermatt de París y a colecciones privadas de coleccionistas italianos, franceses y japoneses. |
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El Grito La más famosa pintura de Munch (1863-1944), de la que llegó a hacer cuatro versiones, no solamente es la más representativa de las características de su estilo, sino de las de todo el expresionismo universal. En ella se hallan magistralmente reflejados el dolor y la angustia del ser humano ante las tragedias de la vida, de tal manera que trasciende el hecho concreto para hacerse una voz universal, doliente y desesperada. |
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Desnudo, Hojas Verdes y Busto La protagonista y destinataria de este óleo sobre lienzo fue Marie-Thérèse Walter, una joven de 27 años que era modelo, musa y amante de Picasso. La pintó desnuda, junto a un busto, y se incluyó en el fondo como una sombra que la admira como a una obra de arte. La pintó en un solo día, el 8 de marzo de 1932. Se convirtió en una de las obras favoritas del autor e incluso la colgó en su propia casa durante unos meses. |
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Muchacho con Pipa A raíz del suicidio de su amigo Carles Casagemas, en 1901, la pintura de Picasso conoce una nueva orientación temática, una meditación triste, a veces amarga, sobre el sentido de la vida. Empezó entonces la que se conoce como su "etapa azul", caracterizada por una monocromía azul, fría, nocturna, irreal, impregnada de miseria, soledad y melancolía. Esta sería una de las últimas piezas del ciclo, al que seguiría la "etapa rosa". |
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Eight Elvises La repetición de las imágenes de Andy Warhol (1928-1987), que llaman una y otra vez al ojo del espectador, da lugar a un aligeramiento definitivo de las ligaduras que atan estas imágenes a un objeto carente ya tanto de valor como de sustancia. La desaparición del objeto revierte en un complementario sentimiento de pérdida en quien contempla tales imágenes, una pérdida que es experimentada gozosamente por Warhol como una liberación respecto a los mitos de individualidad e identidad que configuran y constriñen la subjetividad respecto a unos patrones represivos. |
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Orange, Red, Yellow La pintura de posguerra más cara fue subastada el 8 de mayo de 2012 en la sala Christie's de Nueva York. Los rectángulos dentro de este óleo sobre lienzo (236,2 x 206,4 cm) no se extienden a los bordes de la tela y parecen flotar justo sobre su superficie. Cada segmento de color ofrece una percepción diferente al espectador. |
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Dora Maar con Gato De nuevo Picasso, aunque ahora cubista. La perspectiva tradicional del Renacimiento se ve violentamente alterada: las líneas rectas y las formas angulosas se radicalizan, y en el espacio y en los rostros se plantea una revolucionaria investigación, proponiéndose una simultaneidad de visiones condensadas en una sola imagen. |
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Diana y Acteón La National Gallery de Edimburgo exhibe uno de los seis grandes lienzos mitológicos que Tiziano pintó para Felipe II. Fue iniciado junto a Diana y Calisto en 1556, año de la coronación del monarca español, y enviado a España en 1559. Su ejecución fue larga debido a los enormes esfuerzos que el pintor italiano, alentado por el prestigio de patrocinio real, dedicó al realizar estas suntuosas obras para ser dignas del rey. Tiziano desató toda su creatividad para producir obras de belleza e inventiva sin precedentes. |
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Nº 10 Pintado cuando el artista (1903-1970) estaba en la cúspide de sus logros artísticos y críticos, este óleo sobre lienzo (239,4 x 175,9 cm) representa el pináculo de la destreza alquímica de Rothko. En 1958 la vitalidad de sus pinturas se había atenuado y una paleta austera y ominosa había pasado a primer plano, comenzando lo que es considerado por muchos como uno de los períodos más significativos de su arte. La pintura parece brillar con una luminiscencia sobrenatural, el resultado de una superficie que se esfuma con energía pictórica. Fue subasta en la sala Christie's de Nueva York el 13 de mayo de 2015. |
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Adèle Bloch-Bauer II De nuevo Klimt y su musa, aunque en esta ocasión la Adèle Dorada pasa a mostrarse sobre un fondo que deja de un lado el oro, pero que sigue desarrollando un juego decorativo de formas abstractas. La sensualidad continúa a flor de piel, así como la estilización de la figura y el tratamiento naturalista de sus carnaciones. |
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Tríptico, 1976 Los trípticos, tan apreciados por Bacon, representan deformaciones de la fisonomía o de la estatura. La pintura de este inglés de Irlanda evoca la imagen de nuestro propio cuerpo que se opaca y se altera cuando el otro, antes y aún ahora, nos devuelve un reflejo vago de él, despojado de atención, desinvestido e inconstituyente. |
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Retrato del Doctor Gachet Existe otra versión pintada por el artista holandés (1853-1890). Ambas fueron realizadas en junio de 1890, solo un mes antes de su suicidio. Entre 1888, momento en que se instaló en la localidad francesa de Arlés, hasta su muerte, Van Gogh llevó a cabo toda su obra madura, pintando gente, objetos y el paisaje que le rodeaba, con una pincelada vigorosa y dinámica, simplificando las formas y dando intensidad al color, creando así un lenguaje de una fuerza y autenticidad incontenibles. |
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Falser Start El artista estadounidense, afortunadamente aún entre nosotros, nació en 1930 y es uno de los precursores del pop-art. En sus creaciones observamos influencias de Marcel Duchamp y del expresionismo abstracto. Se advierte además cierta tridimensionalidad, que en otros casos se hizo patente al emplear objetos incorporados a la pintura o como piezas escultóricas. |
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Le Bassin aux Nymphéas Pertenece a la serie Las Ninfeas, formada por casi cien cuadros en los que Monet, ya en su vejez y medio ciego, trabajó durante largos periodos de tiempo a partir de los primeros años del siglo XX. Se trata de un retazo del estanque del jardín al estilo japonés que el pintor más representativo del impresionismo había creado en su casa de Giverny, en el que lo importante es el sutil juego del agua con las nubes y el cielo reflejándose en ella. En definitiva, un paisaje acuático que resume cuarenta años de la atracción del artista francés por el agua. |
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Baile en el Moulin de la Galette La obra más famosa de Renoir (1841-1919), protagonizada por ociosos personajes reunidos en aquel "molino" conocido como el Moulin de la Galette por el bizcocho que allí se elaboraba. Se trata de una escena de ambiente popular, gozosa y comunicativa con el espectador que la observa, en la que la verdadera protagonista es la luz, que circula y altera las formas de las personas y las cosas; y aliándose con la luz, el color que se emancipa y estalla, el otro gran protagonista de la tela. |
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La Matanza de los Inocentes El maestro de Siegen (1577-1640), actual ciudad de Alemania, fue el indiscutible protagonista de la pintura flamenca del siglo XVII. Esta pieza, de temática religiosa, al servicio de las necesidades impuestas por la Contrarreforma, fue pintada en la época de plenitud (1608-1626) de un artista que conjugó en su estilo la tradición pictórica flamenca con la italianizante, al estudiar concienzudamente la obra de los maestros italianos del siglo XVI, especialmente Tiziano. |
FUENTES: A.A.V.V. El Arte del Siglo XX, Barcelona, 1996; A.A.V.V. "El triunfo de la creación. El arte del siglo XX", en Ars Magna, volumen X, Barcelona, 2011; PRECKLER, Ana María. Historia del Arte Universal de los siglos XIX y XX, Madrid, 2003; ANZIEU, Didier. El Cuerpo de la Obra: Ensayos Psicoanalíticos sobre el Trabajo Creador, Madrid, 1993. |
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