El Museo Nacional de Escultura

Sobrecogedora por la ilusión de vida que emana, la escultura producida en España durante el siglo XVII sigue siendo en gran medida desconocida fuera de sus fronteras. Gracias al excepcional préstamo por parte del Museo Nacional de Escultura de Valladolid (MNE) de una selección de obras de primer orden, presentadas en Francia por primera vez, esta exposición quiere poner en valor este arte propiamente español.

En resonancia con la dedicada a Zurbarán, pretende también sumergir al público en el ambiente cultural y religioso que impregna profundamente la creación artística de la época.

Estas esculturas de naturalismo extremo, puestas en escena de lo sagrado en volúmenes y colores, se hacen eco de la obra de los grandes pintores españoles del mismo período, entre los que destacan Zurbarán, Velázquez o Murillo, en una época en que los vínculos entre pintura y escultura son especialmente estrechos.

A través de diferentes temáticas, el recorrido de Esculpir el color. Obras maestras del Museo Nacional de Escultura de Valladolid explora los usos, los temas y la materialidad de estas obras. La selección reúne a algunos de los mayores escultores de su tiempo: Gregorio Fernández en Valladolid; Alonso Cano, José de Mora y Pedro de Mena en Andalucía; o también Luisa Roldán, escultora de destino excepcional, en la corte de Madrid.

Pasos procesionales

El siglo XVII es la edad de oro de la escultura procesional religiosa en España. Estas figuras de tamaño humano y naturalismo sobrecogedor, a veces enriquecidas con tejidos y accesorios, salen de las iglesias y desfilan por el corazón de las ciudades. Siguiendo el ritmo del calendario litúrgico, y en particular la Semana Santa, que conmemora los episodios de la Pasión de Cristo, escenifican los relatos sagrados e implican a los fieles en una experiencia emocional directa.

Cofradías y órdenes religiosas compiten en inventiva y encargan amplios conjuntos narrativos a artistas como Gregorio Fernández (1576-1636), el gran escultor activo en Valladolid a principios de siglo. El relato se despliega entre pintorescas figuras secundarias. El MNE conserva un conjunto de estos pasos procesionales que es único en el mundo, destacando entre ellos "Camino del Calvario", de cinco figuras, aquí presentado íntegramente. 

Cuerpos santos

El culto a las reliquias y a los santos intercesores, mediadores entre los fieles y lo divino, está profundamente arraigado en la tradición cristiana medieval. Se intensifica en España tras el Concilio de Trento (1545-1563), convocado por el papado como respuesta a la Reforma protestante.

Las imágenes de los santos, concebidas en ocasiones como auténticas galerías de retratos, constituyen ejemplos humanos que imitar, al presentarse la santidad como un objetivo alcanzable.

Haciéndose eco de las nuevas canonizaciones, en particular las de 1622 (como las de los españoles Santa Teresa de Ávila, reformadora de la orden del Carmelo, y San Ignacio de Loyola, fundador de los jesuitas), las necesidades de soportes de devoción de las órdenes religiosas y las cofradías son exponenciales. La estatuaria en madera policromada responde a ellas de manera particularmente eficaz, ya adopte la forma de estatua relicario, de elemento de retablo o de figura autónoma de diversos formatos.

Imágenes de vestir

Heredera de los "acrolitos" de la Antigüedad (estatuas compuestas, vestidas con telas, de las que solo se esculpían la cabeza y las extremidades), la práctica de la "imagen para vestir" se prolonga en la Edad Media y ocupa en España, durante los siglos siguientes, un papel importante en la devoción pública y privada.

En algunos casos, solo se esculpen la cabeza y las manos, unidas por armazones o bastidores que dan volumen a las telas con ligereza. En otros, los cuerpos, enteramente esculpidos y articulados, ofrecen un acabado naturalista propicio para evocar la presencia sagrada y dan lugar a prácticas rituales de vestido.

Estas efigies, presentes en la intimidad de oratorios y conventos, se exhiben también en las procesiones. La tela, a veces lujosa, puede resultar mucho más costosa que la propia escultura. El conjunto forma entonces una obra total, en la que estatua, vestimenta y puesta en escena concurren a la potencia expresiva de lo sagrado.

Cuerpos de dolor

La escultura en madera policromada se convierte, en la España del XVII, en el soporte privilegiado de representaciones de la Pasión de Cristo extremadamente demostrativas, casi chocantes para la mirada contemporánea. Se trata de suscitar la emoción, la compasión y la profunda adhesión de los fieles exponiendo de forma muy concreta el cuerpo sufriente y moribundo.

Según las obras, la expresión del dolor adopta formas contrastadas. Algunas muestran un naturalismo extremadamente crudo (heridas abiertas, carnes en carne viva), reforzado por el empleo de materiales diversos. Otras evocan el sufrimiento interior de manera conmovedora, en particular a través de la imagen de la Virgen en duelo.

Estas representaciones esculpidas se inscriben en varios tipos, ampliamente reproducidos y declinados en formatos adaptados al destino de las obras, desde las grandes estatuas para iglesias y procesiones hasta los bustos para la meditación y la devoción privada.

Virgen con el Niño y San Juan Bautista

Luisa Roldán
Hacia 1689-1706
Terracota policromada por Tomás de los Arcos
41,5 x 33 x 25,5 cm
© Museo Nacional de Escultura, Valladolid

La escultura de devoción privada

Junto a los grandes pasos, los retablos monumentales y las estatuas de tamaño humano, la producción de esculturas de pequeñas dimensiones, destinadas a la devoción privada en oratorios, conventos y palacios, conoce una demanda creciente en el siglo XVII. Estas obras, observables de cerca y a veces vestibles, hacen más accesible lo divino y favorecen una oración íntima.

El Niño Jesús aislado constituye un tema predilecto, declinado en tipos: bendiciendo, triunfante, dormido... En Sevilla, sus representaciones privilegian el naturalismo del cuerpo, la delicadeza de las carnaciones y la viveza de la mirada propios de esa edad. Por la ternura que suscitan, favorecen una meditación afectiva sobre el misterio de la Encarnación de Dios en su hijo.

La escultora Luisa Roldán deleita por su parte a la corte madrileña a finales de siglo con sus llamadas "alhajas de escultura": pequeños grupos de terracota de tema sacro, cuidadosamente policromados.

Bajo sus pies la luna

La creencia en el fenómeno de la Inmaculada Concepción, es decir, la concepción de la Virgen María sin pecado original, por gracia divina, no es nueva en la España del siglo XVII. Pero se convierte en objeto de una importante devoción popular, sobre todo en Sevilla, y adquiere una nueva importancia política. La Inmaculada Concepción pasa así a ser uno de los temas emblemáticos del arte hispánico, mucho antes de que la Iglesia defina el dogma y lo proclame en 1854.

La pintura, en particular la de Velázquez, Zurbarán o Murillo, contribuye a fijar el modelo visual, y la escultura en madera policromada propone una versión especialmente impactante, abundantemente declinada en Andalucía en la segunda mitad del siglo por Pedro de Mena. La Inmaculada Concepción de este último aquí presentada es una nueva adquisición de gran importancia del MNE, recién restaurada.