Introducción

Los ideales de belleza humana han existido en todas las épocas y culturas. La exposición El culto a la belleza recorre la evolución de estos ideales a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidas de la norma.

La muestra, que se podrá ver en la planta 3 del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) del 21 de mayo al 8 de noviembre de 2026, nace de un proyecto de Janice Li en la Wellcome Collection de Londres (2023) y cuenta con Blanca Arias y Júlia Llull en su adaptación local.

A lo largo de la historia, la filosofía ha querido definir el concepto de belleza, el arte ha tratado de captarla y la ciencia innova constantemente para alcanzarla, mientras el mercado nos genera necesidades constantes para mantenernos siempre jóvenes y perfectos. Las nociones de atractivo físico van cambiando con los tiempos, pero nuestra persecución de la belleza nunca se detiene.

Esta exposición ofrece una mirada crítica sobre la construcción de los cánones de belleza desde la Antigüedad hasta nuestros días y analiza qué papel han tenido el arte, la sociedad, la política, la religión o la medicina. También se adentra en la industria de la cosmética, en el diseño y en la comercialización de productos, y pone el foco en la piel, el cabello o la carne como campos de batalla en la lucha por el control de los cuerpos.

Con más de 400 piezas, el recorrido de la muestra pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cómo la idea de belleza está condicionada por la moralidad, el estatus, la salud, la edad, el género o el origen étnico.

El culto a la belleza presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angélica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

Los ideales de la belleza

La idea de una verdad universal e inmutable sobre la belleza es una ilusión que entra en conflicto con la infinita diversidad de la humanidad. La construcción de los ideales de belleza no se limita únicamente a la estética, sino que el contexto social, político y religioso también ejerce un papel fundamental.

Desde los principios fundacionales de un canon basado en la proporción hasta la actualidad, momento en que la inteligencia artificial propone nuevas posibilidades, los ideales se han construido a partir de narrativas culturales que vinculan la belleza con la virtud o de jerarquías raciales impuestas por el pensamiento colonial.

Este apartado de la muestra reúne una selección de materiales históricos que permiten analizar cómo los ideales de belleza se han construido y transformado a lo largo del tiempo.

Desde esculturas clásicas hasta prácticas disidentes contemporáneas como las obras de la artista Lorenza Böttner, las reinterpretaciones de las pinturas de castas coloniales de Sandra Gamarra, los autorretratos irónicos e inquietantes de Juno Calypso o la serie fotográfica de Colita sobre mujeres gitanas.

La industria de la autoimagen

La comercialización masiva de productos de belleza marcó el pasado siglo XX con anuncios de pintalabios en vallas publicitarias y de rímel en las pantallas.

Sin embargo, la utilización de tecnologías y materiales innovadores en los productos de belleza se remonta mucho más atrás en el tiempo. Desde las polvoreras del Antiguo Egipto hasta los productos cosméticos del Renacimiento -reliquias de una tradición científica menospreciada-, pasando por sombras de ojos termográficas y nuevas formas de marketing sostenibles, el negocio de la belleza ha crecido juntamente con la obsesión de la humanidad por la propia imagen.

Con el tiempo, la comercialización y el diseño han transformado los productos farmacéuticos y los procedimientos quirúrgicos hasta convertirlos en la consolidada industria de la belleza tal y como la conocemos hoy.

Esta sección presenta desde objetos históricos como espejos egipcios o cosmética china y romana, hasta materiales más contemporáneos como una colección de Barbies, la instalación del colectivo Xcessive Aesthetics -que recrea el lavabo de mujeres de una discoteca para explorar las formas de relación y representación digital que se generan-, o la instalación de un salón de manicura con el que María Alcaide analiza las relaciones de género, clase y explotación que los sostienen.

La belleza de la carne: desbordando el canon

La relación entre norma y subversión está marcada por el conflicto, pero también tiene un potencial transformador. Los cánones son estructuras; la materia, en cambio, está en constante movimiento y no es nunca pasiva: modela y rompe. El cuerpo desborda las fronteras establecidas por el canon celebrando la diferencia frente a la uniformidad. La expansión libre de la materia revela que la belleza siempre ha existido más allá de la norma y cuestiona la posibilidad de un estándar único, donde cada nuevo ideal propuesto ha sido sustituido por otro.

El canon de belleza -articulado en este apartado a través de objetos históricos como miriñaques, cotillas, zapatos o pelucas- es cuestionado y desbordado por prácticas contemporáneas como los retratos de Angélica Dass, que desarticulan las clasificaciones raciales mediante una escala cromática de los tonos de piel; el trabajo de Ren Buchness, que explora el cuerpo como espacio de carga física y emocional, las esculturas de Marina Vargas, que reinterpretan de manera crítica el canon clásico masculino; o las imágenes de Arvida Byström, que construyen imaginarios artificiales para examinar la relación entre identidad, cuerpo y cultura digital.