La Virgen con el Niño y los santos Luis y Margarita

Esta pintura, un óleo sobre tabla cuyas dimensiones son 122,2 x 105,8 cm, es la última adquisición de la National Gallery de Londres, que celebra su bicentenario entre 2024 y 2025. Sirvió como retablo para un priorato urbano de Gante, donde se documentó por primera vez en 1602.

Entronizados en medio de una capilla al aire libre, la Virgen y el Niño están flanqueados por dos ángeles cantores. En primer plano aparecen, suntuosamente vestidos, San Luis, el santo rey de Francia, y Santa Margarita, que emerge ilesa del dragón que la engulló. Un ángel toca un arpa de boca mientras el otro sostiene un cancionero en el que se reconoce el himno mariano "Ave Regina Caelorum, Mater Regis Angelorum".

La pintura está llena de detalles de una inventiva desbordante. Algunas de las rarezas iconografías son sombrías, como los escalones de madera desnuda con unas cabezas de clavos que presagian el sacrificio de Cristo en la cruz. Otros son realmente inusuales, como el arpa de boca o guimbarda que toca el ángel de la izquierda, un sonido que difícilmente se asocia con la armonía celestial. Otros incluso son aún más humorísticos, como el niño revoltoso que nos muestra el trasero en el capitel superior derecho.

Al no haber atribución, esta pintura adquirida mediante venta privada en la casa Sotheby's, desafía la tendencia de los historiadores a centrarse en los nombres y demuestra que, durante los últimos períodos medievales y renacentistas, el anonimato puede cruzarse con una calidad extraordinaria.

La excentricidad general del panel y los rostros dramáticamente escorzados de los santos y los ángeles recuerdan la obra temprana de Jan Gossaert (activo en 1508, fallecido en 1532), cuya "Adoración de los Reyes Magos" se encuentra también en la National Gallery de Londres. La composición y la ejecución versátil, que alterna áreas pintadas con suavidad y detalles minuciosos con pasajes más dinámicos, también rinden homenaje a la tradición neerlandesa de Jan van Eyck (activo en 1422, fallecido en 1441) y Hugo van der Goes (activo en 1467, fallecido en 1482). Por otro lado, la sensación general de plasticidad, monumentalidad y las fuertes sombras recuerdan la obra de pintores franceses como Jean Hey (Maestro de Moulins, activo en 1482 y fallecido después de 1504). Sin embargo, la hipótesis neerlandesa se ve respaldada por el panel de roble báltico de la pintura, ya que los artistas franceses tendían a utilizar roble de origen local.

El examen dendrocronológico del panel indica que esta pintura fue realizada después de 1483. El diseño de la cadena de la Orden de San Miguel que luce San Luis de Francia, con sus dobles nudos o "agujas", fue modificado por el rey Francisco I en 1516, lo que implica que la pintura fue pintada antes de ese año. Una datación en torno a 1510 parece apropiada desde el punto de vista estilístico.

Vistas desde abajo, las figuras se han situado en el borde mismo del plano pictórico, lo que les confiere una gran monumentalidad. Este formato, cuidadosamente recortado, es original. El panel presenta bordes sin pintar en todos sus lados. La ambición del pintor por deslumbrar al espectador impregna cada centímetro de la pintura, evidente en detalles como la cadena retorcida del cinturón de Margarita, las gemas translúcidas de su cruz, el mechón de cabello suelto sobre el pecho de la Virgen o el rayo de luz que ilumina su mejilla derecha.

Entierro de Cristo

Por su parte, el Museo de Arte de Worcester (WAM, Estados Unidos) ha adquirido esta pintura del artista neerlandés Maarten van Heemskerck (1498-1574), un panel central que originalmente formaba parte de un tríptico neerlandés del siglo XVI. Esta importante adquisición representa una oportunidad excepcional para reunir el panel con sus alas originales, que han estado en préstamo a largo plazo en el WAM.

Maarten van Heemskerck cultivó esta iconografía repetidamente a lo largo de su carrera. El Entierro de Cristo, tema común en la historia del arte, representa la escena del Nuevo Testamento en la que el cuerpo de Jesús es colocado en una tumba, rodeado de dolientes, entre ellos su madre María, Nicodemo, José de Arimatea y la Magdalena.

En esta pintura de Van Heemskerck (hacia 1545), el fondo revela el monte Calvario con la cruz vacía, flanqueada por otras dos que aún portan los cuerpos crucificados de los ladrones. La dinámica composición de Van Heemskerck refleja la influencia de sus viajes a Italia, en particular de los frescos de Miguel Ángel Buonarroti en Roma y las obras de Giovanni Bellini y Andrea Mantegna en el norte de Italia. La maestría del artista en el escorzo y el detalle anatómico es evidente en la representación realista del cuerpo de Cristo.

Los dos paneles laterales, que originalmente formaban parte del tríptico, presentan retratos de la familia que encargó la obra. Sus fondos de gruta rocosa y elementos paisajísticos se alinean con el panel central, lo que confirma su conexión original. La pintura central probablemente se exhibió en el estudio del artista, donde los posibles compradores podían adquirirla y encargar alas personalizadas que luego se unirían al panel central.

Actualmente en préstamo a largo plazo en el WAM, los paneles de la familia Selldorff formaron parte de la colección del abuelo de Tom Selldorff, Richard Neumann, un coleccionista judío-austríaco cuyas obras de arte fueron saqueadas por los nazis. Los paneles no fueron devueltos a los herederos de Neumann hasta 2011.

La pintura central fue exhibida en la pasada edición de TEFAF por la galería Caretto & Occhinegro, que anunció entonces la adquisición de la misma por parte del WAM. A partir del próximo verano, el conjunto completo del tríptico se exhibirá por primera vez en siglos en las galerías de arte europeo del WAM.