Ya se puede visitar en el Museo Nacional del Prado de Madrid la exposición El universo del artista ante la cámara, una muestra que, hasta el próximo 5 de julio, explorará cómo la llegada de la fotografía en el siglo XIX transformó la manera de representar, documentar y proyectar la identidad del artista y sus espacios de creación.

Este proyecto, comisariado por Beatriz Sánchez Torija, reúne retratos individuales y de grupo, vistas de los estudios de artistas, así como imágenes que documentan distintas fases del proceso creativo, ofreciendo un mapa visual del artista en su taller, o en escenarios alternativos de creación.

La llegada de la fotografía ofreció la posibilidad de fijar escenas con gran precisión y realismo. Los artistas posaron ante la cámara, solos o en grupo; registraron sus talleres y documentaron tanto el proceso como la culminación de sus obras. El retrato, uno de los primeros géneros asumidos por el nuevo medio, funcionó como afirmación de identidad y estatus a través de poses meditadas, atributos significativos e indumentarias asociadas al oficio.

La muestra reúne obras de profesionales reconocidos junto a imágenes de autoría desconocida y posible carácter amateur, en su mayoría procedentes de archivos de artistas como Luis y Federico de Madrazo, Dióscoro Puebla, Rafael Rocafull, Cecilio Pla, Agustín Querol, Miquel Blay o Manuel González Santos.

A través de la fotografía el estudio del artista se convierte en espacio cargado de valor simbólico donde convergen la observación, la enseñanza y el intercambio. También permite seguir a los autores en otros escenarios de creación que se transforman en prolongaciones de sus talleres.

La exposición presta especial atención a la presencia femenina en estos ámbitos, con el retrato de María Luisa de la Riva en su estudio parisino, la pintora Fernanda Francés y las alumnas de Cecilio Pla, entre ellas Carolina del Castillo, y se detiene en fotografías que registran las etapas de creación de una misma obra.

Asimismo, El universo del artista ante la cámara configura una cronología material que permite seguir la evolución de técnicas y soportes: de los papeles albuminados y los retratos en formato carte de visite o tarjeta París, a procesos como el platinotipo, el ferrotipo, el autocromo o las copias a la gelatina.

La diversidad de procedimientos no solo dialoga con la multiplicidad de autores y situaciones representadas, sino que también da cuenta de las transformaciones tecnológicas y estéticas que, desde mediados del siglo XIX hasta las primeras décadas del XX, redefinieron la manera en que los artistas construyeron y proyectaron su imagen y su universo creativo.