Introducción

El Museo del Diseño de Barcelona muestra, por primera vez, una reinterpretación del modernisme (modernismo catalán) en clave de "cultura del diseño", es decir, repensando los objetos desde la idea, las técnicas de producción y los materiales, la promoción, la difusión y la función, entendido el diseño como un proceso que alcanza desde el concepto hasta el uso e incluso el desuso.

La exposición Modernisme. Hacia la cultura del diseño, de carácter semipermanente, se fija en el modernisme como inicio de la cultura del diseño, lo enmarca en el contexto europeo y destaca los nexos y la singularidad del caso catalán. Aporta una nueva interpretación del modernisme partiendo del papel protagonista que tuvieron las artes decorativas y aplicadas, artesanas e industriales, entre el debate arte-industria del siglo XIX y el concepto de diseño del siglo XX.

¿Repensamos el modernisme desde el diseño o repensamos el diseño desde el modernisme? Estas preguntas, así como la idea del “diseño antes del diseño" podrían ser formas de resumir el sentido de esta muestra, que va más allá del momento del modernisme y llega hasta la actualidad.

Centrada en el gran esplendor modernista de finales del siglo XIX y el inicio del siglo XX, continúa mostrando el vínculo entre el modernisme y el novecentismo y su vindicación de la tradición artesana autóctona. Después del Art Déco, llega hasta el racionalismo y la modernidad de raíz mediterránea del GATCPAC, muy crítico con el modernisme, pero sensible al artesanado y puerta de entrada al diseño moderno. Además, de este nuevo camino se derivó otro: las técnicas artesanas tradicionales puestas en manos de los artistas encontraron una nueva vía de expresión contemporánea que llega hasta hoy.

Como colofón, la muestra recoge la recuperación del modernisme desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Desde los años sesenta hasta ahora ha tenido lugar una reivindicación del Art Nouveau y del modernisme, tanto a través de la historia del arte y el patrimonio como desde el diseño, que ha llevado a la difusión internacional y al reconocimiento de ciertos objetos como "clásicos del diseño". El resultado de este hecho son las reediciones de piezas notables, también bien representadas en la exposición.

Por todo ello, el modernisme, movimiento clave para entender la cultura catalana contemporánea, puede ser reconocido como el momento de inicio de la cultura del diseño, que empezó con las industrias artísticas, lejos todavía del concepto moderno de diseño, pero ya basadas en algunos aspectos que tuvieron un papel clave.

Entre las piezas destacadas encontraremos fondos patrimoniales que se presentan por primera vez: el conjunto del mobiliario del comedor del arquitecto Jeroni Granell, piezas y documentos de la firma Escofet, un marco de Rafael Masó de grandes dimensiones, una lámpara Art Déco de laca urushi de Lluís Bracons... Además, piezas muy representativas y singulares como el escaño neogótico de los talleres José Ribas, algunas piezas cerámicas del Palau de la Música, una jarra de cerveza de la taberna de los 4 Gats o los dibujos originales de las marqueterías de la casa Lleó Morera, obra de Josep Pey. Así, la muestra pone de relieve algunos dibujantes proyectistas como el mismo Pey, Mateu Culell o Víctor Brosa, algunos bastante desconocidos, o el también arquitecto, Jeroni Granell. Muchas de estas piezas y trabajos son fruto de últimas e importantes donaciones: Escofet, Pey, Cantavella Granell, Busquets...

Destacar también la serie de piezas de Antoni Gaudí, expuestas por primera vez en el Museo del Diseño, donde se conservan a raíz del préstamo en comodato de la Cátedra Gaudí de la Escuela Superior de Arquitectura de la Universidad Politècnica de Barcelona.

La exposición Modernisme. Hacia la cultura del diseño se centra fundamentalmente en 370 piezas procedentes de las colecciones propias del Museo del Diseño de Barcelona y algunas otras de las colecciones municipales (MFM, MUHBA y MNAC), el Museo de Historia de Girona y alguna colección particular.

El modernisme, una actitud y un largo camino

Modernisme es sinónimo de voluntad de modernizar una cultura y de integrarse en Europa. La Exposición Universal de 1888, primer evento internacional organizado por la ciudad de Barcelona, se considera la puerta de entrada a Europa y a la modernidad, y la fecha de inicio del movimiento.

El deseo de modernidad, impulsado por intelectuales y artistas, defendía la cultura como instrumento regenerador para superar una atmósfera localista y atrasada, fijándose en Europa. A la vez, superándolo, miraba hacia el pasado, como lo había hecho la Renaixença, movimiento cultural romántico que recuperó las raíces autóctonas. Mirar hacia el futuro sin renunciar al legado histórico constituyó la singularidad del modernisme, inicio de un largo camino hacia la modernidad y al mismo tiempo cuna del catalanismo político.

En 1888 se inició la última revisión de los historicismos que caracterizan al Primer modernisme, hasta que hacia 1900 se le sumó el Art Nouveau internacional, que propugnaba el arte por el arte y la naturaleza como modelo, la plenitud del modernisme. La última etapa del modernisme, antesala del noucentisme y precursora del racionalismo, estuvo influida por la Secesión vienesa, de hecho también un lenguaje Art Nouveau.

Al periodo comprendido entre 1888 y 1900 lo podemos denominar Primer modernisme. Los arquitectos catalanes, seguidos por los industriales, hicieron una última y tardía recreación de los modelos historicistas, sobre todo del neogótico, claramente definido por Josep Puig i Cadafalch como una arquitectura "nacional". Se trata de una recreación libre y creativa de los estilos medievales, que llevará a estos arquitectos a aceptar también elementos propios de otros lenguajes históricos y de otras culturas, siempre, no obstante, con un sabor arcaico e historicista. Fruto de este contexto son los objetos "parlantes", signos de una voluntad identitaria bien representada por las nuevas clases dirigentes. Las industrias artísticas proveyeron a las viviendas de todo tipo de elementos aplicados y de objetos decorativos, reflejo de los ideales de sus clientes.

Hacia 1898 empieza a notarse en Barcelona el primer reflejo del Art Nouveau, visible ya en la IV Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas. En 1900 la divulgación del Art Nouveau a través de la Exposición Universal de París comportó un cambio de orientación. Arquitectos e industriales se dejaron influir por este nuevo estilo, inspirándose en la naturaleza y en las formas orgánicas y sinuosas que, la mayoría, practicaban como un eclecticismo más, sin olvidar los estilos de siempre. Los arquitectos e industriales más comprometidos hicieron de este estilo una interpretación más original y moderna, pero desde la tradición. La voluntad de hacer convivir esta paradoja, entre el arraigo a la tradición y el cosmopolitismo Art Nouveau, es lo que confiere a la arquitectura y a las artes decorativas catalanas del modernisme tan altas cotas de originalidad.

La mirada hacia el arte popular y el interés por los oficios artísticos en pro de un arte nacional como reflejo de una cultura propia, más allá de la recuperación de estos oficios artísticos que ya había llevado a cabo el modernisme, es el rasgo definitorio del paso hacia el noucentisme en la arquitectura y las artes decorativas. El hogar catalán tradicional es la referencia para arquitectos y artesanos, de Barcelona y otros lugares de Cataluña, como Girona o Vic, que, buenos conocedores de las corrientes secesionistas centroeuropeas, introducen una renovación formal mientras crean un estilo propio y moderno, sin olvidar las raíces. La Escola Superior de Bells Oficis, fundada en 1914, es un reflejo de la voluntad social impulsada desde el gobierno de la Mancomunitat.

Industrias de arte, la nueva cultura del diseño: proyecto, producción, difusión y consumo

La industrialización asentó las bases de la cultura del diseño. En Cataluña destacaron las industrias artísticas, dedicadas a la producción de objetos de consumo especialmente al servicio de la decoración del hogar.

Las industrias artísticas son sinónimo de modernización. De modernización técnica, es decir, de talleres innovadores, con maquinaria de importación y nuevas prácticas profesionales. De modernización estética, puesto que superan los historicismos y convierten la naturaleza en su modelo principal, sin olvidar el pasado. Asimismo, se abre una nueva vía de difusión de los productos. Aparece la publicidad comercial gracias a los nuevos procedimientos de reproducción gráfica y se organizan exposiciones de promoción y fomento. Nace pues un nuevo modelo de taller, de fabricación y de comercialización, tanto de piezas seriadas como de piezas únicas. Al mismo tiempo surgen las figuras del dibujante proyectista o proyectista industrial, como se le denominaba, y el nuevo director de arte. En este contexto nace también un nuevo concepto comercial, el "objeto de arte", argumento de venta, porque el arte ennoblece a la industria.

Terminada la Exposición Universal de 1888, el Ayuntamiento de Barcelona decidió organizar un nuevo tipo de exposiciones que alternaran las bellas artes y las industrias artísticas. A pesar de ciertos conflictos y cambios de ritmo, de 1892 a 1898, arte e industria podrían mostrar, separada o conjuntamente, sus adelantos. El ayuntamiento se reservaba el derecho de adquirir los objetos expuestos para que pasaran a formar parte de los museos municipales de reciente creación. En 1894, con motivo de la primera Exposición de Industrias Artísticas de 1892, un grupo de industriales crearon el Centro de Artes Decorativas. A través de una gran exposición celebrada en 1895 y desde su revista, "El Arte Decorativo" (1894-1896), reivindicaron su fomento y medidas proteccionistas al Estado.

Uno de los motivos del éxito de las reproducciones artísticas fue su valor de representación social, ya que las nuevas técnicas reproductoras, como la galvanoplastia -obtención de objetos metálicos por electrolisis-, permitían a las clases medias poseer objetos decorativos hasta entonces solo en manos de unos pocos. El progreso industrial permitió cambios revolucionarios en la producción y el arte llegó a un público más amplio.

Mientras, en toda Europa nacían los museos de reproducciones -en Barcelona en 1891-, creados con voluntad de instrucción pública, tanto de los industriales, como estímulo y modelo, como del público. El Ayuntamiento de Barcelona adquiría para su museo de reproducciones piezas presentadas en las exposiciones tanto de industrias artísticas como de bellas artes.

Héroe y mártir

El modernisme se hizo realidad en las artes decorativas y aplicadas, entendidas en su doble vertiente, como objeto ornamental o aplicadas a la arquitectura. Al igual que en otros países, como Gran Bretaña, se recuperaban las antiguas técnicas artesanales. Pero en Cataluña ese proceso no se llevó a cabo rechazando los objetos manufacturados para visibilizar los valores autóctonos teñidos de espíritu cosmopolita. Por ello las industrias subsidiarias de la construcción y todas las especializadas en productos ornamentales trabajaron a fondo en la renovación de sus diseños, a menudo con la participación de dibujantes y arquitectos de prestigio. Las industrias artísticas tuvieron un desarrollo espectacular. Se puede hablar de formas mixtas de fabricación con productos industriales acabados de forma manual o productos artesanales distribuidos por un sistema comercial moderno. Como consecuencia, tiene lugar una valoración de los productos estandarizados sin detrimento de la consideración que tiene la pieza única.

El mueble es el gran protagonista de las industrias artísticas, contribuyendo a ofrecer una visión unitaria de todas las artes. Por otro lado, su diseño funcional lo acerca a los principios del Art Nouveau. Destacan los trabajos de talla, como los tan singulares de Gaudí, la marquetería, característica de Homar, y el pirograbado, distintivo de Busquets, pero utilizado también por Ribas, todas ellas técnicas de larga tradición en Cataluña. La marquetería dotaba de color al mobiliario, acoplándole maderas embutidas de distintos tonos, mientras que el pirograbado consistía en dibujar los motivos decorativos con una punta caliente, ya eléctrica, para después colorearlos a la acuarela y barnizarlos. Además, se solían aplicar metales, mármoles y vidrios para enriquecerlo. A su vez, los pavimentos de parquet dotaban de calidez a los interiores.

Las fachadas de los edificios y los interiores se recubren con vistosos diseños florales como si se tratara de una piel. En los pavimentos se popularizó el uso de baldosas hidráulicas, una nueva técnica resultado de utilizar trepas y prensar piezas de cemento hidráulico con la última capa pigmentada, que fabricaron numerosos talleres en Cataluña. Los muros, en cambio, se recubrieron de arrimaderos de azulejos, un material que además ofrecía grandes ventajas higiénicas. También se utilizó el mosaico de azulejos -en el que destacó el taller de Homar incorporándole piezas de porcelana de Serra- y su derivado, el "trencadís", realizado con piezas irregulares. Técnicas innovadoras derivadas fueron los azulejos cristálicos, acabados con una fina capa de vidrio que permitía ver la ornamentación sobre una capa de cemento, y las de cartón en relieve cromolitografiadas.

El hierro forjado es una de las antiguas técnicas artesanales catalanas, muy viva todavía durante el modernisme. Santiago Rusiñol promovió además su coleccionismo con las piezas que reunió en el Cau Ferrat de Sitges. Con la industrialización, se incorporan nuevos recursos que permitían automatizar procesos básicos, como recortar, perforar o estampar y, sobre todo, el sistema de soldadura. A su vez, empresas como Ballarín S.A. -socios de Puig i Cadafalch- introducen sistemas de comercialización modernos. No obstante, aun siendo la forja la técnica que más se identifica con el modernisme, la metalistería utilizó otros materiales, como el hierro colado, el latón o la fundición artística en bronce, tanto para fabricar objetos como para ornamentar mobiliario.

El vitral tuvo un desarrollo extraordinario a raíz de su aplicación en el interior de los hogares, más allá de los templos donde, cabe insistir, no se había perdido nunca el oficio. La técnica del vitral emplomado es un proceso esencialmente artesanal, no obstante, aprovecha nuevos sistemas de fabricación del vidrio y la elaboración en serie de piezas enmoldadas a partir de una matriz o la incorporación de vidrios importados. Destacaron en este arte A. Rigalt y Cía, luego Rigalt, Granell y Cía. Una nueva técnica fue la tricromía o superposición de tres placas de vidrios de colores primarios, ejecutada por el taller Amigó en proyectos de Gaudí. Gran innovación fue también el "cloisonné", que Frederic Vidal Puig aprendió en Londres hacia 1899. Diminutas piezas esféricas de vidrio de colores dispuestas en unos alveolos delimitados por finas paredes de metal y todo ello sellado por dos placas de vidrio; se aplicaban en puertas, muebles, etc.

El modernisme eleva los objetos decorativos a la categoría de objetos de arte. El arte es un argumento de venta y promoción de los talleres, porque ennoblece la industria y legitima el estatus burgués. Las imágenes que nos han llegado de los interiores modernistas los muestran llenos de objetos de cerámica, bronce o vidrio. Cerámica de arte, fundición artística o bronces de salón, orfebrería y joyas de arte, de una altísima calidad material y técnica, obra de artesanos que recuperaron y destacaron en los antiguos procedimientos y aportaron nuevos ensayos derivados de la industria, están presentes por doquier. Es el inicio de un camino que nos llevará a reconocer el esplendor de las artes decorativas en Cataluña desde el modernisme hasta el Art Déco.

Si el mueble es el protagonista principal de los interiores modernistas, las tapicerías de seda o de terciopelo, generalmente de fabricación catalana y con frecuencia bordadas o con aplicaciones que las dotaban de color y confort, tuvieron un papel determinante. Pero el desgaste cotidiano y los nuevos gustos obligaron a cambiar la tapicería, de modo que muchas de las originales no se han conservado. El ajuar doméstico estaba lleno de encajes hechos a mano -"legítimos", los llamaban-, labores femeninas con bolillos o con aguja, hasta la llegada del encaje mecánico de gran difusión en el que Cataluña también destacó. El encaje de bolillos fomentó una red de encajeras, que trabajaban en sus domicilios, y de comerciantes de encajes, que distribuían los encargos. Las exposiciones, como la celebrada en Arenys de Munt en 1906, fueron buen escaparate de esta labor.

Las artes gráficas alcanzaron un gran desarrollo en Cataluña desde mediados del siglo XIX. La encuadernación se benefició de la innovación industrial y recuperó también técnicas antiguas, como el repujado del cuero, donde destacó Josep Roca i Alemany, profesor en el Institut de Cultura de la Dona. Ello comportó una gran difusión en el ámbito doméstico, si bien tuvieron presencia en las exposiciones y pervivió durante el noucentisme. Hacia 1880 la primera encuadernación industrial se basaba todavía en la confección manual de matrices de bronce que se estampaban en unas prensas mecánicas. Las editoriales sustituyeron las cubiertas de badana por las de tela sobre cartón en relieve con atractivos dorados. Hacia 1890 se introdujo el fotograbado, lo que aceleró la producción industrial y con el tiempo llevó a la desaparición de los grabadores en bronce.

La personalidad de Gaudí como diseñador no se puede distinguir de su producción como arquitecto. De hecho, sus primeras producciones son objetos, como por ejemplo la mesa de trabajo que describe en sus escritos de juventud o la vitrina para la guantería Comella en la Exposición Universal de París de 1878. Busca soluciones industrializables (muebles, manijas), anticipando procesos productivos seriados que se desarrollarán en talleres, pero sin olvidar nunca la innovación en el diseño y la huella artesana. Fiel a las enseñanzas de Viollet-le-Duc, defendía que el ornamento era lo que daba "carácter" o "estilo" a la arquitectura, es decir, que la dotaba de contenido simbólico. De esta forma, superaba los estilos históricos, llevando al extremo la premisa de que la forma sigue a la función, llegando a proyectar objetos orgánicos "obrados", que se acoplan a la gestualidad del cuerpo humano y le han valido la consideración de precursor de la ergonomía.

El hogar burgués, símbolo del ideal de una sociedad

El hogar burgués modernista es símbolo del ideal de la nueva sociedad industrial, llena de contradicciones. Esta nueva clase adquiere otros hábitos presentes en la organización de la vida cotidiana. Las viviendas diferencian entre el espacio de representación, reflejo del prestigio social, y el de la vida familiar, donde impera ya el criterio del confort, propio de la modernidad. Luz y aire, como había defendido el urbanista Cerdà, pero también comodidad y lujo.

Objetos decorativos importados de Europa o de producción local, asequibles para un mayor público, son muestra del decorativismo Art Nouveau o 1900. Objetos de arte llenos de flores y ninfas simbolistas se anuncian y venden en tiendas especializadas. Asimismo, fueron muy populares los "muebles de Viena" o de madera curvada, importados o de fabricación autóctona, que se integraron en las zonas más íntimas del hogar.

Pero el modernisme pasó de ser un movimiento regeneracionista a ser un estilo "moderno", llegando a capas más amplias de la sociedad. Objetos anónimos de uso cotidiano llenaban las vitrinas de los hogares mientras el modernisme era ya rechazado por los noucentistes.

Entrado el siglo XX, el modernisme se convirtió en un estilo "moderno" y popular, lo que es especialmente visible en la difusión de objetos decorativos y utilitarios de gusto Art Nouveau y sobre todo en la producción de mobiliario de precio asequible.

Las imágenes de la época nos muestran los interiores modernistas llenos de objetos decorativos. Creaciones de toda Europa llegaban a Cataluña a través de los representantes locales, que las vendían en tiendas especializadas. Talleres locales de escultura y cerámica crearon también gran cantidad de objetos y "bibelots" Art Nouveau de gran difusión.