Presentación

Entre los años 1600 y 1650, Roma atrajo a muchos artistas con talento. La ciudad se convirtió nuevamente en un epicentro artístico donde se desarrollaron nuevas ideas, instigadas por Caravaggio (1571-1610) y continuadas por Bernini (1598-1680), que influyeron en toda Europa.

Ambos artistas crearon representaciones humanas fieles a la vida. Cuerpos no solo en movimiento físico, sino también emocional. Sus obras plasmaban los sentimientos de las figuras. Esta conexión entre realidad y emoción era nueva y se convirtió en característica del Barroco.

La muestra Caravaggio & Bernini (Caravaggio und Bernini), además de abrir un diálogo entre sus esculturas y sus pinturas, revela cómo Caravaggio y Bernini fueron entendidos por sus contemporáneos.

Alrededor de 70 obras prestadas por los más prestigiosos museos internacionales se unen a piezas de la colección del Kunsthistorisches Museum de Viena, sede de la muestra, para ilustrar al público sobre esa representación de las emociones innovadora en el arte barroco. Pinturas y esculturas que reflejan amor, dolor, asombro, terror, compasión, alegría y humor, entre otras emociones.

Nunca antes un evento fuera de Italia presentó una colección tan extensa de obras de arte excepcionales del periodo barroco. Pinturas de Caravaggio, esculturas de Gian Lorenzo Bernini y otras obras importantes de artistas pertenecientes al primer Barroco romano se exhiben juntas por primera vez en el importante museo vienés. La exposición también incluye obras procedentes de colecciones privadas.

La exposición Caravaggio y Bernini (Caravaggio und Bernini) estará abierta todos los días hasta el 19 de enero del próximo año 2020 en el Kunsthistorisches Museum de Viena (Maria-Theresien-Platz, 1010), en horario de 09:00 a 18:00 (lunes a miércoles y viernes) y de 09:00 a 21:00 horas (jueves, sábado y domingo).

Meraviglia & Stupore

Los movimientos más profundos de la psique eran muy importantes para los contemporáneos de Caravaggio. Las emociones eran el centro de todas las artes en el siglo XVII: pinturas y esculturas, poesía y música. Caravaggio, Bernini y sus compañeros usaron algunos trucos especiales para representar las afectaciones y provocarlas en los espectadores: poses complejas, expresiones faciales y miradas penetrantes, y prendas ligeras, coloridas y en movimiento. Conscientemente, los artistas querían que los espectadores se asombraran con sus obras. Por ejemplo, la expresión en el rostro labrado en mármol de la "Medusa" de Bernini (imagen superior) muestra vívidamente su horror ante su repentina muerte. Al mismo tiempo, parece tan viva que el espectador debe temer la petrificación con su mirada en cualquier momento.

Orrore & Terribilità

El Barroco a menudo nos confronta con dos emociones particularmente fuertes: pavor y terror. Caravaggio y sus sucesores eligieron tensos momentos para despertar esos sentimientos en nosotros, escenas creadas para ser contempladas de cerca y así no perdernos ningún elemento esencial de ellas. No siempre es fácil verlas, incluso hoy que estamos más expuestos que nunca a imágenes terribles. Estas obras de arte despiertan sentimientos de dolor y miedo en nosotros. En "David con la cabeza de Goliat" (imagen superior) vemos una cabeza cortada y ensangrentada por encima del erotismo y la belleza. Escenas como esta habían sido representadas con frecuencia antes; sin embargo, su intensidad ahora es nueva: el David de Caravaggio sostiene la cabeza ensangrentada de Goliat hacia nosotros con su mano extendida. Goliat todavía está desfigurado por el dolor, lo que horroriza al espectador. Los sucesores de Caravaggio tampoco hicieron concesiones.

Amore

Después del período medieval, coexistieron varias nociones del amor. La Iglesia prefería más pureza y castidad de lo que la gente estaba dispuesta a admitir. Por tanto, los eruditos del siglo XVI idearon una nueva teoría: la del amor sagrado y profano. Idealmente, estas dos formas de amor debían complementarse entre sí. Los dos tipos de amor fueron representados, entre otros simulacros, en la forma de los dos hermanos "Eros y Anteros", caso de la escultura en mármol del escultor Alessandro Algardi (imagen superior).

Otras teorías del siglo XVI aconsejaban a los hombres jóvenes que dieran rienda suelta a sus pasiones sexuales antes de contraer matrimonio. Las mujeres pagaron el precio. La mujer pura y casta que esperaba el matrimonio fue yuxtapuesta por la belleza maligna. Estos dobles raseros solo fueron posibles con la ayuda de prostitutas y cortesanas, que a su vez eran marginadas por la sociedad.

Alrededor de 1600, los hermosos desnudos masculinos jóvenes eran particularmente populares. Es notable la frecuencia con la que se representaba a los hombres jóvenes andróginos, incluso para representar a los santos. Se debatió la moralidad de las relaciones heterosexuales y homosexuales.

Caravaggio y sus seguidores recogieron todos esos temas en sus obras. Los acalorados debates de la época viven en sus pinturas. Nos encontramos con miradas, cuerpos y rostros ambiguos que hablan directamente a los espectadores: estamos siendo invitados a tomar nuestras propias decisiones sobre el tema del amor.

Visione

En el Barroco temprano, se aceptaba en general que las visiones podían ser representadas a través de la mediación y el estudio de las obras de arte. Es por eso que hay tantas representaciones de santos en algún tipo de trance. Los santos son representados cara a cara con lo divino. El planteamiento barroco era que los humanos tendremos que esperar al más allá para experimentar esta situación; sin embargo, podemos unirnos a estos momentos viendo las obras de arte. La representación figurativa del éxtasis y la visión como experiencias divinas, muy popular en el Barroco, fue un desafío especial para los artistas. El movimiento espiritual tuvo que ser visualizado, lo que es una tarea difícil. Caravaggio y sus sucesores enfrentaron el desafío de frente: sus representaciones, particularmente emocionales y vívidas, mueven al espectador a día de hoy, caso de la "María Magdalena en éxtasis" pintada por Artemisia Gentileschi (imagen superior).

Passione & Compassione

A principios del siglo XVII, los artistas en Roma tenían otro particular desafío: mover a la compasión; de hecho, una obra de arte en ese momento era especialmente juzgada a la hora de si podía despertar o no la compasión en el espectador. El tema de la "Piedad" se empleó a menudo para este fin. Annibale Carracci creó pintó una pieza sobre cobre alrededor de 1603 (imagen superior) en un formato particularmente pequeño, de gran efecto y muy emocional. Desde la edad media, la iglesia cristiana estaba alentando la noción de trascender el mundo por medio del sufrimiento. Caravaggio y Carracci desencadenan con sus pinturas lo que Bernini logra con igual efecto con sus esculturas: conmover al espectador.

Vivacità

Las esculturas cobran vida en el Barroco. Las figuras salen de las pinturas. Desde la antigüedad, el tema de la vivacidad ha sido recurrente en las artes, siendo particularmente pertinente en el retrato de principios del siglo XVII. Los modelos fueron representados de una manera muy personal: sus expresiones faciales individualizan a los retratados, caso del "Cardenal Scipione Borghese" esculpido por Giuliano Finelli (imagen superior). Mientras que los pintores usan el color para representar diferentes materiales, los escultores tienen que usar un solo material para recrear diferentes efectos de superficie. Los retratos creados por Caravaggio, Bernini y sus sucesores son particularmente personales y animados; son pinturas y esculturas que recuerdan instantáneas. Todavía nos dan la sensación de poder compartir un momento de su tiempo.