El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en su novena entrega de la serie <miradas cruzadas> una aproximación al concepto de "inacabado" en la pintura a través de 14 cuadros de la Colección Permanente y de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. La exposición -organizada en torno a los géneros tradicionales de la pintura de historia, el paisaje y el retrato- incluye obras de factura abocetada tanto de maestros antiguos como modernos. En ella se podrán encontrar desde esbozos de Rubens, Tiepolo, Géricault y Delacroix, y un estudio al aire libre de Matisse, a composiciones de Manet, Cézanne, Van Gogh, Heckel y Kokoschka. Todas ellas reunidas en el balcón mirador de la primera planta, con acceso directo y gratuito desde el hall.

El arte francés del siglo XIX fue el escenario de un conflicto que enfrentó a los partidarios de lo acabado y lo inacabado en la pintura. A comienzos de siglo, los sectores más vinculados con la Academia convirtieron el fini o acabado pulido en símbolo de excelencia artística, frente al acabado abocetado considerado un signo de negligencia. Sin embargo, el fini nunca llegó a constituirse en modelo único de la pintura occidental: mientras la Academia florentina del siglo XVI celebraba las superficies cuidadosamente perfiladas de Rafael, los venecianos Giorgione y Tiziano abrían la puerta a una pintura vibrante y sensual. En los siglos XVII y XVIII la factura abierta veneciana encontró eco en varias escuelas nacionales como la holandesa, por ejemplo en la pintura de Frans Hals, o en la francesa con Fragonard.

Las tensiones entre ambas concepciones explotaron en la Francia del siglo XIX con los pintores neoclásicos que, enfrentados a la sensualidad que derrochaba el estilo rococó, se oponían radicalmente a cualquier trazo en la obra que dejase traslucir rasgos personales; las contradicciones inherentes a lo que se consideraba la etapa generativa y ejecutiva de la pintura avivaron este enfrentamiento.

La fase generativa incluía un amplia rango de procedimientos: los esquisses o bocetos al óleo que se realizaban con rapidez para retener la première pensée -en la exposición, los óleos de Rubens y Tiepolo-; los études o estudios pintados al aire libre para capturar un motivo paisajístico o un efecto ambiental -como el pequeño cartón de Matisse- y una última categoría, los ébauches o primeras fases interrumpidas -por ejemplo, en los óleos de Carpioni, Géricault y Delacroix-, que deberían haberse convertido en una obra final; entonces sí, marcada ya por la fase ejecutiva y en la que el fini o acabado pulido era una condición esencial.

Con el romanticismo, la diferenciación entre estas dos fases -una más sentimental y privada y la otra más cerebral y pública- quedó en entredicho y artistas como Géricault o Delacroix dotaron a sus composiciones finales de algunas de las cualidades de sus esquisses. El desarrollo de la pintura de paisajes en el siglo XIX y la cualidad cambiante de la naturaleza hizo más urgente el empleo de un método rápido de captación.

A finales del siglo XIX, conforme esquisses y études perdían su razón de ser para convertirse en la obra final -por ejemplo en Manet-, lo inacabado adoptó nuevos contenidos. Así ocurrió, principalmente, en la obra de Cézanne y Van Gogh. Ambos artistas, formados en plena pugna entre obra acabada e inacabada, se convirtieron en buena medida en los últimos representantes de la distinción entre boceto y obra final, y en los introductores de nuevas maneras de concebir lo inacabado que habrían de prolongarse a lo largo del siglo XX.