Hace un tiempo hice un dibujo de unos viejos marcos tirados por el suelo y una vitrina vacía que aludían a la idea de un museo que había sido invadido y robado. Algo así como un espacio simbólico de aquello que veneramos como sagrado y que ha sido alterado por el asalto y el abandono.

Después de eso monté en mi estudio unas paredes que simulaban esos espacios y que parecían encerrar todo aquello que nos obsesiona del mundo de la pintura y que siempre nos ha perseguido; comenzaron a aparecer en mi mente rostros de la historia de la pintura que me miraban desde esos muros vacíos y yo, que he dedicado muchas horas a copiar a los pintores antiguos, me resistía a reproducirlos de nuevo. No me atrevía a hacerlo y, de pronto, me acordé de Antonio López y de aquel sueño que contaba al director Víctor Erice antes de rodar la película El sol del membrillo (1992) en el que se le hundían los pies en la tierra. Recordé aquello que Antonio López y yo habíamos hablado sobre el hecho de pintar de forma inevitable. Al final me rendí a esas imágenes y desde ahí he creado las obras de esta exposición.

Todavía recuerdo cuando en Tomelloso vi en el cine, que es el arte popular por excelencia del siglo XX, la imagen de Frankenstein. Se me quedó fija en la mente. O el monstruo de Alien.... El miedo es atractivo, y expresar las sombras del mundo como lo hicieron Bacon, Giacometti o Van Gogh es algo por lo que hay que darles las gracias. Son una lección de actitud por atreverse a hablar de cosas que en el fondo nos atañen a todos. Yo me he cortado mucho y admiro mucho a esa gente que no ha podido dejar de ser como es. En el arte, o se es o no se es. El arte tiene que ser verdad y, si no es verdad, no vale.

Recuerdo cuando Antonio López nos explicaba que quería poner unos trazos azules sobre los trazos negros del dibujo de Hombre tumbado para marcar los diferentes niveles del abdomen. Hay un poco de eso en los dibujos de esta exposición. De la idea de usar el color sin la pretensión de dar el color real a cada cosa. Ese no es el territorio del dibujo. Los dibujos rojos los he hecho jugando con la mancha de restos de agua sucia de rojo en las que, de pronto, aparece el rostro del Retrato de un hombre con turbante rojo de Jan van Eyck deformado.

Presencias inquietantes, imaginario pop, barroco, decadencia... El mundo del artista barcelonés Julio Vaquero llena estos días las paredes de la Galería Marlborough de Barcelona con la exposición Museo Robado. Es la primera vez que dicha sala dedica una muestra individual a este pintor sin duda con un sello propio y que según los críticos de arte cada vez va más allá en su ruptura con la descripción puramente realista.

Mediante una ingeniosa y singular técnica que combina creta y aguada, Julio Vaquero crea unas escenas donde la decadencia de las reliquias artísticas queda diluida en algunos casos por la aparición de unas presencias inquietantes. Sumado a esto, las referencias al imaginario pop convierten las creaciones de este artista en un emblema del arte contemporáneo más fresco y transgresor.

Vaquero nació en 1958 y se licenció en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona en el año 1979, siendo galardonado con el premio de pintura Joan Güell. Su primera muestra llegó en 1987, también en Barcelona, y desde entonces ha expuesto individualmente en España, Italia y Estados Unidos, y también ha estado presente en muchas ferias de arte internacionales como Art Bruselas y  ARCOmadrid, entre otras.

Con Museo Robado, Vaquero denuncia la ira y la violencia del hombre que sufren los museos, generalmente unos espacios ordenados y asépticos donde las obras de arte expuestas permanecen en condiciones óptimas con la intención de que perduren para siempre. Unos episodios violentos que rebrotan en los momentos de conflictos bélicos, donde es frecuente que los museos sufran el expolio y la destrucción. Varios de los últimos ejemplos lo encontramos en los recintos de Irak o Siria debido al integrismo islámico.